Matrimonio de los Arnolfini. 1434

Retrato de Margaret Van Eyck.1439.

La sociedad esta llena de símbolos y es precisamente la simbología del arte la que nos muestra las creencias, formas de vida e incluso las ideologías de otros tiempos. En este post traigo la interpretación del cuadro  del pintor Flamenco Van Eyck. En la primer imagen vemos el retrato de la esposa del pintor, podemos ver como se peinaba y vestia una mujer tipica de aquella epoca (clase burguesa), traigo esa imagen para poder compararla con la mujer Arnolfini. El cuadro es sobre una pareja de recién casados de procedencia italiana, amigos del pintor. En la historia del arte es importante por la innovación de la técnica en cuanto al retrato por detalles minuciosos así como por el espejo que cumple la función de reflejar lo que hay enfrente de la escena principal. Pero en las ciencias sociales lo que interesa de este cuadro son los aspectos simbólicos que nos permiten conocer mas sobre la forma de pensar, de organizarse y de vivir en la sociedad de aquel tiempo. Los colores, los objetos, las poses, los gestos e incluso quienes se retratan nos dan pistas para conocer la estructura económica asi como las creencias colectivas importantes.  Recordemos que estamos hablando de una época donde la monarquía dejaba de tener exclusividad de los privilegios en uso de colores, decoración y ropas, ya que la burguesía comenzaba a tener mayor importancia y poder económico.

Es la pintura de la una boda burguesa en el siglo XV. Muestra a las personas reales en situaciones reales en lugar de santos. Los colores no son simbólicos si no realistas, de ahí la belleza de este cuadro.

La señora Arnolfini se casó con un vestido pomposo de color verde luminoso. La pareja de novios dió su promesa matrimonial en su casa lo cual era muy común en esa época. Y les bastó un testigo que fue el pintor de ese cuadro, quien lo acredita con una inscripción en la pintura estampada debajo del espejo que dice “Aquí estuvo Jan van Eyck”, el espejo atestigua su presencia en la habitación con los novios. El espejo muestra escenas de la pasión de cristo.

El cuadro es un acta de matrimonio, en ese entonces el matrimonio era un negocio que sólo podía ser importante para la gente adinerada. En el se mostraban los derechos hereditarios con claro simbolismo. El novio da a la novia la mano izquierda que se traduce en un “matrimonio de mano izquierda” es decir, la novia renuncia a los derechos hereditarios, que se supone a favor de los hijos de un matrimonio anterior del señor Arnolfini que es bastante mayor que ella. La joven novia Giovanna  Cemani está embarazada por la manera en como coloca la mano en su vientre, gesto típico de las embarazadas. La novia no era virgen ya que en su tocado se muestra como lo llevaban las mujeres casadas: el cabello recogido. En esa epoca se llevaba en los lugares públicos  un velo a modo de gorra o cofia, en contraste de las mujeres vírgenes que llevan el cabello largo y suelto como aparece en todos los cuadros las mujeres vírgenes, entre ellas, la virgen María que siempre llevabará en todos los cuadros el cabello largo y suelto.

La señora Arnolfini cubre su cabello peinado de modo especial, propio de mujer casada: recogido a izquierda y derecha, formando dos cuernos que cumplían la función de ser cuernos de diablo que debían ahuyentar los celos de las esposas hacia los maridos. Cuando se pintó el cuadro de los Arnolfini no existía aún el matrimonio por la Iglesia ya que Lutero había sentenciado por ese entonces que el matrimonio era un asunto mundano queriendo decir que el matrimonio no tenía nada que ver con la Iglesia. Como la iglesia no casaba, entonces era diferente si la novia quedase embarazada. Hasta el siglo XIX las personas de buena familia se casaban en su casa o en un salón donde iba el párroco a oficiar el enlace.

Las gargolas detrás simbolizan lo mujeriego que el es esposo. Ella viste un manto color verde luminoso que demuestra que era rica. El novio, lleva un manto de piel noble de color marrón oscuro, era banquero pero no noble, ya que si lo hubieran sido sus ropas serian de color rojo. Su riqueza se aprecia en la extensión de sus mantos, abundan pliegues, una cola y en las anchas mangas una serie de volantes que da el mensaje de que se envuelve en telas porque es rico. Lo unico que es de color rojo es la ropa de cama, ya que no socialmente no podían usar el color de la nobleza pero si podían usarlo en los accesorios del hogar para así poder mostrar que tenian poder adquisitivo y a la vez simboliza la cama nupcial y simbolo de la fertilidad en el matrimonio, asi como el estar retratados descalzos. Los zapatos que estan en la habitación muestran el papel de cada uno, el hombre es quien provee la economia del hogar y la mujer es quien se e ncarga de los labores de la casa.

Las naranjas simbolizan también su capacidad adquisitiva ya que solo los muy ricos podían comer frutas importadas del sur al igual que poseer las alfombras que tiene la habitación. El perro simboliza la fidelidad de los esposos. La lampara tiene una vela encendida, lo que es tipico de la tradición flamenca en el primer dia de la boda.

Sin embargo, esta pintura aun causa muchas controversias ya que se dice que la mujer no estaba embarazada y que el cuadro se realizó como un ritual para conseguir la fertilidad de la mujer.

En la actualidad que rituales tenemos, que simbolos nos definen como pertenecientes a una cierta clase social o ideología religiosa y económica?

en lo personal, el arte me gusta por que puedo aprender mucho sobre los símbolos y el uso del objeto como mecanismos de creencias colectivas y clasificación social

La pintura como medio de Protesta Social

La ” ciudad de la luz” nació como resultado del diseño racional de la ciudad de París, sometido a un control centralizado, los pobres al ver demolidas las callejas tuvieron que irse a los suburbios que se encontraban en la periferia. Las calles amplias y empedradas, los drenajes y alcantarillados así como la plaza pública fueron construidas de tal manera para impedir la construcción de barricadas y a la vez, facilitar el movimiento de las tropas.

La nostalgia de los viejos barrios medievales puso de moda al poeta François Villon del siglo XV.  El ambiente bohemio anticonformista y anarquista  se concentraba en Montmartre teniendo como tema central a los oprimidos.

Alienación y resentimiento se plasmaban en las escenas monocrómas de pobreza y alcoholismo protagonizado por vendedores ambulantes tullidos y demacrados, músicos callejeros, mendigos, esquizofrenicos, prostitutas internadas en el Saint Lazare (que en el siglo XII había sido utilizado como leprosería).

En París de la modernidad de 1900  parece que existe una cara que no se muestra o mas bien, no se quiere reconocer por la sociedad. Picasso no era ajeno a la politica aunque el no se reconocida como tal, pero en sus cuadros podemos ver una denuncia hacia el orden social que desfavorece a los que menos tienen, grita piedad humana en un amor profundo y desesperante hacia la humanidad. su pintura era ejercicio a la política, no solo en este periodo, si no durante toda su vida, tal y como lo vemos en uno de sus cuadros mas grandes “”Guernica” que es el grito de terror y dolor de las personas durante el bombardeo de Guernica durante la guerra civil española en 1937.

En 1904 pinta “Los miserables” que muestra la expulsión de una familia de su hogar:

El estilo de Picasso así como el ambiente donde interactuaba equivalía a un rechazo conciente de los valores burgueses, identificándose con los que habían sido marginados por la grandiosa obra higiénica de Haussmann.

Avenida de la Opera, París. Obra Higiénica de Haussman

Obras higiénicas de Haussman, París.

Diseño de la ciudad antiguamente. El diseño laberinto medieval no permitía un control y vigilancia hacia el orden social

Plaza de la Estrella. Doce calles desembocan en el centro, permite el control y vigilancia de sus ciudadanos.

En 1905 Picasso cambia su circulo social y comienza a relacionarse con literatos y poetas como Apollinaire, André Salmon, Nicolas Deniker y Maurice Cremnitz. Ellos ayudan a que Picasso se alejara de la nostalgia bohemia cada vez mas anticuada y volviera a conectarse con el espíritu pionero que lo había traído a París.

(Fot. Apollinaire). 

Las conversaciones que mantenía con ellos marcaría el rumbo de su visión hacia la pintura. En 1903 Apollinarie decía “los inmigrantes contribuyen a enriquecer el legado espiritual de un país” ; Salmón, el anti-imperialista ayuda a modelar el paisaje intelectual al hacer referencia de las culturas Africanas evocadas en los poemas de Rimbaud. Sabemos que Salmon admiraba a Rimbaud, y gracias a eso  fue como Picasso se puso en contacto con las ideas sobre la naturaleza y los pueblos indígenas que descubrió en África y que posteriormente Picasso se sentiría atraído especialmente por las tallas Africanas.    (foto Arthur Rimbaud)

En la obra de Picasso siempre veremos temas de política y asuntos de actualidad de manera indirecta e imprevista. Otro elemento nuevo que vemos en la obra de Picasso es la integración de animales en sus cuadros, sobre todo monos integrados a la familia como si fueran personas. A integrar a estos animales en posiciones similares al de los humanos nos esta sugiriendo las semejanzas anatómicas y mentales que existen entre hombre-mono.

 (Fig. Familia de acróbatas con mono. 1905).

La fuerza de este cuadro reside en la representación de figuras modernas de personajes itinerantes en un marco intemporal de modo que remite a la tradición de la pintura religiosa europea, en especial a la representación de la Sagrada Familia.

El mono ha sido reemplazado al buey o al asno de las imágenes del establo de Belén. El perfil de la mujer es botticceliiano que con los colore textura y superficie evocan un fresco. Esta escena concuerda con el relato de la Virgen María en el Nuevo Testamento: “El niño acerca aún más al padre a la mujer” pero en esta escena sería “La mujer es la gloriosa e inmaculada, !Es la natividad! Han traído al mundo a futuros acróbatas , rodeadosde monos mascota, caballos blancos, perros y osos”

En este cuadro hombre y mono tienen los brazos igual de cortos y los dos adultos hacen con sus manos de dedos largos gestos parecidos a los del animal. Tambien existe una equivalencia entre niño y mono semidesnudos ambos sentados en posiciones semejantes y mostrando genitales parecidos.

Para pintar el cuadro de “Familia de acróbatas con mono” Picasso y sus amigos se introducían de noche al Jardín Botánico de París gracias a Nicolas Deniker quien vivia con su familia dentro del Bótanico. Su padre Joseph Deniker,  zoologo y botánico experto en anatomía de los simios.  Deniker demostraba en su tesis la diferencia manifiesta  entre humanos y gorilas que desaparecen hasta la segunda mitad del desarrollo del feto del gorila, además expone las semejanzas entre genitales del hombre y gorila. Teniendo una clara influencia darwiniana, tema controversial en aquella época.

En el cuadro Picasso parece abordar el tema de la evolución de la especie de acuerdo a la teoría de Darwin. La representación de las figuras  responde a la intención de destacar el patrón evolutivo  y los vínculos genéticos que comparte hombre-mono.  El cuadro reúne el legado religioso y la moderna comprensión científica del origen e identidad del humano. El cuadro no es más que el reflejo de un asunto político y ético debatido con vehemencia en Francia durante ese tiempo: La proyectada ley de separación  de la Iglesia y el Estado para instaurar una república laica. El cuadro es así una provocación a la ideología cristiana al poner mas que un simple mono en la escena.

Más obras de este periodo rosa:

Madre e hijo. 1905

Maternidad 1905

El cubismo en Picasso

“Las tres holandesas”. Picasso

En Montmartre había también un grupo de holandeses, Picasso se empezó a relacionar con uno de ellos, Tom Schilperoot, periodista que habia entrevistado a Mata Hari (La holandesa que se hacía pasar por indonesia, se presentaba en París haciendo danzas exóticas logrando engañar a todos, posteriormente se le conoce a ella por su papel en el espionaje).

Tom invita a Picasso a pasar unas vacaciones en Holanda. Así fue como Picasso viajó a Holanda, viaje que le va a influir en su perspectiva para retratar figuras humanas. Picasso encontró alojamiento en una casa que pertenecía a Dieuwertje de Geus, la hija del cartero. En Holanda Picasso realizó varios dibujos sobre los paisajes del lugar,  observaba la vida local, las casas a lo largo del canal. Pintó tres famosos cuadros: “Tres holandesas” “La bella holandesa” y “Desnudo con gorro” (desaparecido). En el cuadro “Tres holandesas” es probable que Picasso aplicara en las faldas los colores de la bandera de holanda por casualidad.

“La bella holandesa”. Picasso

A diferencia de las chicas de París, las imagenes de las holandesas se ven saludables y con curvas, este cambio de complexión en la figura de la mujer deja asombrado a Picasso que  decía que “Las chicas de holanda tenían talla de coraceros”

En el cuadro de “La bella holandesa” la casera de Geus posó para este, pero cuando los lugareños se enteraron que lo había hecho desnuda se mostraron disgustados con ella. En este cuadro Picasso hace un enfasis en los voluptuosos pechos de la joven. La modelo holandesa lleva el gorro típico de la región del norte.

Cuando regresaba a París, Matisse estaba trazando nuevas sendas en el arte, haciendo que Picasso tuviera que pensar en un cambio en su estilo.  Matisse  se atrevía a usar colores vivos, cosa que Picasso no.  El cuadro mas popular del momento era “La alegría de vivir” de Matisse. De esta manera es como Picasso se da cuenta que debe dejar en paz a los saltimbanquis y buscar un nuevo tema. En 1905 Picasso realiza la obra de despedida de su pintura de saltimbanquis “La muerte del Arlequín” siendo el último arlequín que pintará Picasso por el momento.

“La muerte del Arlequín” Picasso

Por supuesto que ante este ambiente donde Matisse estaba creciendo en popularidad surge una una rivalidad entre Picasso y Matisse.

Matisse fue siempre para Picasso un patrón de referencia pictórica y todo lo que creaba Matisse tenía un efecto en la obra de Picasso. Ambos se interesaban en la obra de Gauguin y ambos trataban de impregnarse lo más que pudieran de las exposiciones de la obra de este. Los rasgos supuestamente “primitivos” que Gauguin había trasladado a su obra fueron de mucha ayuda tanto para Picasso como para Matisse en lo que respecta al espacio, color, y manejo de la pintura,

Recordemos que Matisse se le considera Fauvista, y se caracterizan ademas de por atreverse a usar colores vivos también por colecciona arte africano. Una noche en casa de Matisse, Picasso vio una figurilla negra africana que le causó una gran impresión a Picasso, así como los experimentos en la pintura que hacia Derein, cosas que se vería reflejada muy pronto en su desarrollo artístico.

La alegría de vivir” Matisse. 1905

“Retrato de Matisse” Derein.

 Retrato de Derain, Matisse.

En 1906 Picasso retorna a los orígenes de su fuente de inspiración “La Antigüedad”. Las esculturas de piedra arcaicas descubiertas en la península ibérica reavivaron su identidad española y su apego con el arte de la Antigüedad. Vemos que Picasso deja de producir pinturas “a la moda”, París le deja de interesar cada vez menos. Sólo así es como logra plasmar su propia visión  haciendo tributo a los orígenes del arte occidental pero trasladados a la modernidad. De la venta de unos cuadros pudo viajar a España con Fernandine. Y es en España donde renace, haciendo experimentos con las dimensiones aprendiendo que objetos y espacio podían ser representados de igual manera y que es posible recrear las tres dimensiones  mediante la plasmación bidimensional del espacio y el volumen. Este descubrimiento lo llevaría a la revolución del CUBISMO.

Ya en París, se puso en contacto con Durrio, con quién colaboró en la creación de piezas escultóricas de cerámica. “Mujer peinándose” que posteriormente serviría para pintarla en lienzo. En este periodo la tematica que escoge es relacionada con mujeres peinandose mostrando que podía pasar de la escultura a la pintura y a la inversa.

      

El “autorretrato con paleta” lo hizo en 1906, reelaborando nuevamente su imagen:

Los factores decisivos en el nacimiento del cubismo fueron muchas: el descubrimiento de Picasso de las esculturas etnográficas del Musée du Trocadéro en 1907, las esculturas africanas y polinesias  donde intuye los poderes mágicos del arte comprendiendo que los aspectos de otras culturas  que parecían irracionales  en realidad podían ser diferentes y valiosas maneras de representar  al hombre y sus emociones. Picasso incorpora la fuerza de estos descubrimientos en el arte a su propia visión de una mujer  creada por las manos de Picasso  y tan próxima a la naturaleza como sus propios orígenes africanos.

el enfoque revolucionario que Picasso adopta es la representación  de objetos en el espacio y una nueva dimensión llamada “cubismo”.

La pregunta es ¿Picasso fue un imitador?

en 1900 llega a París siendo un joven pintor español con formación tradicional, 7 años mas tarde competía con Matisse por el liderazgo de la vanguardia artística en Francia. La transformación que vimos en Picasso fue resultado de la influencia del medio artístico y el contacto con determinados artistas que estaban en Francia en ese momento. Quizá se le etiquete de que en sus inicios era un imitador . Pero analizado su vida y obra vemos  que para forjarse su propio estilo tuvo que ser receptivo a los descubrimientos e ideas de sus contemporáneos, absorbió la riqueza y variedad de las obras de arte, ya fueran antiguas o modernas. Pero finalmente encontramos que su arte esta basado en una nueva modalidad de representación capaz de borrar las diferencias entre pintura y escultura o imitación y realidad. Además Picasso hacía política con sus obras.  Picasso es grande porque cambia inevitablemente el rumbo del arte del siglo XX.

Autorretrato. 1907

La complejidad en la obra de Picasso

“Les Demoisselles d´Avignon

Esta pintura a pesar de sus ambigüedades e incongruencias va dirigido a los tradicionales cánones de belleza occidentales, y a la vez en contra de los sistemas filosóficos y políticos basados  en la jerarquización racial y las divisiones culturales.

Picasso leía periódicos pero no deboraba libros científicos, el se entera de los avances de las ciencias sociales  a través de su nuevo circulo de amigos intelectuales.

Ya en este momento vemos los grandes pasos que dió Picasso en París, en su llegada en 1900 era  un pintor que vivía  totalmente inmerso  en los aspectos prácticos  de la elaboración de su arte y en un constante vaivén  entre las obras que descubría  de los otros pintores tanto del pasado como del presente. En 1907 vemos una transformación en su cosmovisión. En este momento Picasso  era sensible a los temas y debates políticos, filosóficos y literarios del momento, debates que van a ejerce una influencia en su obra. Se relaciona con un nuevo circulo de amigos caracterizados por su cultura sofisticada, imaginativa y creativa. Este nuevo ambiente e intereses del grupo estimulaban constantemente a Picasso. De esta forma es como Picasso empieza a plasmar en sus obras una complejidad e importancia en su obra.

“Tres mujeres”

Veamos la historia política y antropológica de estas obras:

En 1895, Mécislas Golberg apasionado de la antropología nos habla del tema del origen de las razas y la division del trabajo basada en observaciones de exploradores alemanes y británicos, Golberg detalla  las variaciones sociales en tribus de diferentes regiones  de África  para demostrar la tesis de que las sociedades a medida que evolucionan se vuelven más complejas, asimilan pueblos y razas dispares hasta formar un crisol que anula las identidades raciales definidas.

Siguiendo las enseñanzas de Durkheim,  afirmaba que los factores socioeconómicos y no los raciales, estaban  destinados a convertirse en los rasgos definitorios  de grupos y pueblos enteros y que a mayor desarrollo, las sociedades  evidenciaban una mayor mezcla racial.

La publicación del antropólogo Joseph Deniker ” Les races et les peuples de la terre” en 1900 estudia las costumbres y la organización social de los pueblos de todos los continentes excluido el europeo para cuestionar la validez de las divisiones de los seres humanos en “tipos” raciales, ya que “cuanto mas civilizados son los pueblos, mas se mezclan  unos con otros, dentro de ciertos limites territoriales“.

El antropólogo, haciendo semejanzas entre los europeos y los otros pueblos, subraya la realidad  e importancia de las mezclas sociales, culturales y étnicas. Refutaba teorias de Gobineau y de Gustave Le Bon  quien habia publicado “Las leyes psicológicas de la evolución de las razas” donde postula la evolución inalterable de los grupos raciales y la preeminencia de los rasgos físicos y psicológicos sobre las influencias sociales e institucionales.

 Modigliani, Picasso y  Salmon

Tambien desafiaba las ideas de Charles Maurras y Maurice Barrès que promovían el ideal exlusivo de identidad cultural y pureza racial de los franceses mantenida a lo largo de la historia, así como la ideología de Jules Ferry  que había puesto la idea de las razas europeas “superiores” enfrentadas a las no europeas “inferiores”

Con esta influencia de ideologia antropologica de Deniker, traída por los hijos de éste que eran amigos de Picasso, hacen que él pintor logre concebir la pintura “Les Demoisselles d´Avignon”  que es considerado una manifestación experimental de hibridez racial y cultural, en esta obra revuelve todos los códigos  mediante una combinación de normas convencionales de composición y representación  específicas del arte occidental  y elementos de las culturas Africanas y Oceanía.

Y como último dato sabemos que Picasso empezó a coleccionar postales con tipos étnicos africanos, interesándose por la iconografía antropológica durante el resto de su vida.

Los años malos que preparan el ascenso de Picasso:”Periodo rosa””

1902 y 1903 no fueron buenos años para Picasso, París parecía una ciudad tan hostil, sin perspectiva para organizar una exposición, había tenido una riña con el dueño de la galería Vollard, sus pinturas no agradaban al público ya que tenia la tendencia de hacer rostros sombríos  haciendo muecas, sin sonrisas, además ya no contaba con dinero para rentar una vivienda decente con espacio para instalar su taller. Sólo le alcanzaba para pagar una habitación en un hotel de mala muerte, del que en poco tiempo se mudaría para compartir espacio con Max Jacob, pero a pesar de tener una buena compañía no había suficiente espacio que les pemitiera trabajar a los dos.

Picasso ante la incapacidad de poder Pintar empieza a visitar museos y grandes monumentos, el que mas frecuentaba era el Louvre. Ahí se alimentaba de buena pintura, antigüa y moderna. La sala favorita de Picasso era la planta baja donde se albergaban las antigüedades egipcias y fenicias con coloridos llamativos.

Este interés se refleja en sus obras de este periodo ya que empieza a hacer una elección cuidadosa de la figura. Esto va a influir en su percepción para pintar en su “Gran momento” en 1906, cuando por fin logra definir su estilo en el arte.

También visitó el Panteón quedando asombrado por las pinturas de Puvis de Chavannes. De él aprende el uso enfático de los gestos y la colocación de la figura en el espacio. (Fig. abajo. Puvis de Chavannes, Le Repos)

Llega el invierno crudo, Picasso continúa sin posibilidades a exponer y sin dinero, el frío  hiela  hasta los huesos teniendo que quemar algunos de sus dibujos para hacer fuego. Es así como Picasso  regresa a Barcelona, España.  Esto fue un periodo necesario para la vida de Picasso que prepararía el escenario de su gran momento que le esperaba en 1905.

En Barcelona se puso a trabajar intensamente en varias paneles, cuadros y dibujos, la temática de inspiración es el arte español y la iconografía religiosa.

Aprendió cómo hacer esculturas para explorar las formas tridimensionales, también modeló con arcilla para explorar los efectos de luz y sombra. Todo esto lo aprendió de su amigo catalán Emil  Fontbona. Frustrado de estar en Barcelona, del ambiente de España y además por la poca seriedad de su amigo en el arte se decide regresar a París siendo el año 1904. Picasso se tomaba muy en serio su trabajo, ya que no veía el arte como un oficio o como un pasatiempo.

(Fot. celle qui fut la belle heaulmière. Rondin) De Rondin Picasso va a inspirarse para hacer su cuadro “El viejo guitarrista” 1903, donde toma más cuidado para delinear la figura, transmitir la emoción a partir de la forma del cuerpo así como en la composición del color.

 Es verano en París, el escenario perfecto para enamorarse, y es así como le sucede a Picasso en 1904. Se enamora de Fernande Oliviere quien sería su primer mujer, ella trabajaba de modelo para otros pintores. La llegó a retratar en por lo menos 60 cuadros. Su amorío duraría 7 años caracterizados por un amor violento lleno de celos por ambas partes. Los años que vivieron juntos no fueron los mejores económicamente para los dos, vivieron hambre y no podrían darse lujos, y eso a veces era motivo de peleas. Años después cuando Picasso logró el éxito terminó su relación con ella, ya que le recordaba su época pobre y las penurias que pasaron juntos. Ella lo buscaría durante toda su vida para que él le pagara una pensión aunque no estuvieron casados. Ella publico un libro sobre su relación y vida juntos, hecho que no le gustó a Picasso ya que no quería que la gente supiera detalles de su vida pasada cuando era desconocido y pobre, además el libro podría revelar las claves que le sirvieron para lograr su técnica y estilo. El le pagaría una gran cantidad para que no siguiera escribiendo nada sobre lo que vivieron juntos hasta 1966 cuando ella muere.

Ella mantenía una relación con otro pintor llamado Joaquín Sunyer cuando conoció a Picasso. Sunyer la seguía cortejando a pesar de haber terminado su relación con él. Un cuadro que gira en torno a este triangulo amoroso lleno de celos son los cuadros donde posa tanto Fernande Olivier y Benedetta Canals: “Un palco en los toros” de Ricard  Canals, (amigo de Sunyer), “El circo Mendrano” de Joaquim Sunyer y el “Retrato de la señora Canals” de Picasso, quien lo pintó con la doble intención de mostrarles a estos dos pintores de que él podría hacerlo mejor.

Fot. Fernande Olivier.

Ricardo Canals

   

Derecha: Retrato de la señora Canals. Picasso

Para ganar un poco de dinero aprendió la técnica de grabado siendo muy apreciado por el Arte Francés sus motivos de grabado. Fig. “La comida frugal”

Ya mejorando su situación emocional, económica y su popularidad fue aumentando,  es invitado a exponer en la galería Serrurier en 1905. Es en este momento donde Picasso se presenta como un artísta por sus propios méritos y no como un epígono de los pintores franceses de finales del siglo XIX.

Los temas que prepara para este momento cumbre es el tema de interés literario y artístico del ambiente parisino de este año: los actores de circo conocidos como arlequín y Polichinela.


Derecha: Arlequín. Izq. Polichinela.

Estos personajes son originarios de Italia tardorenacentista, cuando llegan a Inglaterra se modifican en payaso o marioneta, mientras que los personajes del soñador Pierrot y Gilles se formaron cuando llegaron a  francia.

Pierroy y Guilles representaban en el contexto teatral los dos aspectos del temperamento humano: el traje de rombos multicolor, la mascara negra, sombrero y bastón del Arlequín simbolizan la faceta pícara y astuta, mientras que  Pierrot con gorro negro, blusa blanca de cuello redondo se relaciona con la luna y era el personaje sensible y cándido al que  Arlequín le quitaba la novia.

(Fig. Dos saltimbanquis con un perro. Picasso) Pintores como Daumier, Cézanne y Degas también pintaban este tipo de escenas con arlequines. Pero es Picasso quien los pinta con tanta devoción que se apropia del tema de los saltimbanquis. Esta es la “época rosa”  debido a que los colores que usa con mas énfasis son los tonos rojos y rosas, además se remite completamente a los artistas ambulantes, grupos de forzudos y de acróbatas con sus familias y animales.

 La familia de Saltimbanquis. 1905

Acróbata y joven arlequín. 1905

Palau i Febre diría explica porqué es tan atractivo el tema del arlequín para el pintor:  “en sus hábitos de vida trashumante ve´ria una realidad comparable a la del artista y a sus penalidades que viven al margen de la sociedad, ambos sobreviven gracias al arte”

Picasso se identificaba con la figura de un Arlequín saltimbanqui por eso se representa en este cuadro como uno, y veía a Germaine (su vieja amiga y antigua amante, la misma que fue responsable de la muerte de su amigo Casagemas) como Colombina. En este cuadro parece que Picasso nos dice que las cosas han cambiado desde aquellos días funestos, así como sus vidas y sueños.

 “En el Lapin Agile” 1905

En este momento Picasso ya era el centro de atención de la escena artística de Montmartre gracias a su arte y personalidad que fue labrando desde su llegada a París en 1900 y que consiguió definir hasta 1905.

Reorientando el arte: Periodo azul de Picasso

(Fig. Retrato de Jaume Sabartés en París). La visita de Jaume Sabartés a Picasso coincide con su cambio tanto en la temática como en la forma y color. En las pinturas de este periodo las reconoceremos por su técnica y por poseer una composición más afinada.

La línea encierra la idea, es mas elocuente por su simplicidad, el gesto de las personas revelan los sentimientos ya sea de tristeza o abandono a sí mismo.

Se caracteriza también por usar una base color azul y empleando los colores solo para alegrar el contorno.

Veremos que presta más atención en los elementos espaciales, y la figura de una modelo en su estudio va a ser lo caracteristico de este perido.

El cambio no solo se refleja en su pintura de este periodo si no que también en su misma percepción de sí mismo. En su autorretrato pintado en esta época se retrata como un hombre joven pero bohemio, muy al estilo romantico de la época. Con una mirada seria y penetrante. Presta mayor atención a los detalles de su cara que a los de su vestimeta, que la representa con simples detalles.

 Pero aun en este periodo en que podemos percibir que Picasso ya estaba marcando su estilo “azul”, aún era sensible a la atmósfera artistica en la que vivía. La pintura de 1905 es reflejo de los  temas de interés compartidos por las numerosas amistades francesas que tenía Picasso, las escenas de la vida miserable de los pobres y marginados es el tema más común en la historia del arte en París de 1905.

Vemos en la pintura de “Le Gourmet” una copia de la imagen usada por Steinlen para los carteles publicitarios de las revistas parisinas. Se cree que esa copia de la imagen de la niña bebiendo leche muy al estilo de Steinlen es mas un homenaje al pintor, aunque también puede ser robo de imagen  pintado después al estilo Picasso Azul. Lo que si sabemos es que Picasso estaba decidido a aprender lo más que pudiera para despues conseguir labrar su propio camino en la historia del Arte.

Le Gourmet. Picasso. 1901

Lait pur stérilisé de la Vingeanne. Steinlen 1894

 Se interpreta este periodo azul como una respuesta de Picasso ante la desazón de encontrarse en París como lugar de recuerdos por la dolorosa ausencia de Casagenas.

En este periodo Picasso pinta cuadros conmemorativos a la muerte de su amigo. El azul evoca el frío y el silencio de la muerte. El azul como color de lo frio, de la muerte, de la tristeza y abandono. 

La constante representación de Casagemas muerto es la necesidad de Picasso de retratar la escena en la que no estuvo presente para sentir que fue realidad. Representa con aterrador realismo la costra de sangre dejada por la bala en la sien. Lo representa en su ataud, lo representa innerte.

 

(Figura abajo)En el cuadro “últimos momentos” (La vida) Picasso representa la vida, con simbolismo en torno a lo que sería la vida de Casagemas si no se hubiese suicidado: Representa a Casagemas como el artista, junto a él se encuentra Germaine como su amante desnuda (la mujer que fue responsable de su desesperación, ya que Casagemas se quitó la vida ante el rechazo de su amor que ella le hizo). La madre y el hijo son la promesa de vida y los lienzos de atrás representan la vejez. El azul del fondo representa el  desconsuelo ante la realidad (lo que hubiera podido ser pero que no es realidad porque Casagemas esta muerto). Es la forma de Picasso de decir adiós para siempre a su amigo tras su lamentable muerte.

 En este periodo azul de Picasso lo identificaremos por el tema: prostitutas con sus niños confinadas en la prisión de Saint-Lazare, París, mujeres melancólicas, con atuendo tipico de los pobres y marginados.  A todas ellas las retrata no como reclusas si no como personas recluídas en su soledad y abandono. (Fig. Mujer melancólica). Es muy probable que esta manera de ver la otra cara de la vida la aprendió de Vincent van Gogh. Y es que la vida no solo es fiesta en el cabaret, ropa brillante y colorida, noches de embriaguez y risas, si no que detrás de todos los distractores de la vida, de los disfraces y el bullicio, en las orillas de la ciudad, en la vida misma, se encuentra  en cada persona una historia triste que sale a relucir en los momentos en que nos encontramos en silencio, sin más compañia mas que la nuestra.

” Picasso cree que el arte emana de la tristeza y del dolor. La tristeza se presta a la meditación y el dolor esta en el fondo de la vida”

Un español en París llamado Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso

Enviados como corresponsales del semanario de Catalunya Artística  llega Picasso y su amigo Carlos Casagemas a París.  En aquella época París acogía  a artistas, pintores, interpretes, escritores, curiosos, aficionados entusiastas atraídos por las manifestaciones artísticas y étnicas, las exposiciones científicas y muestras de las mas recientes innovaciones. Y es justamente este periodo marcado por la ola de inmigración cultural la que influiría en la vanguardia artística que se desarrollará en este París llamado”Ciudad de la Luz”

Se instalan en Montmartre que  era el barrio barato y de mala reputación donde todo aquel que llegaba se instalaba, sobretodo los provenientes de España. Los catalanes tenían de por si fama de anarquistas, ya que en 1890 los sospechosos de fomentar actividades antigubernales en España tuvieron que huir buscando refugio en París. Encontramos en los círculos de españoles en Paris de todo, desde escritores, pintores, artistas y activistas, y es justamente esta mezcla de personalidades es lo que daría la identidad de los españoles exiliados.

Los primeros meses en Paris eran de vida bohemia, viviendo a tope la libertad que daba el lugar, bebiendo hasta embrutecer, dormir por las mañanas, vivir por las noches, comer a deshoras. La libertad que se respira en Paris es algo nuevo para un español que viene del ambiente tradicional que España tenia en 1900.

(Fig. “”El abrazo”  inspirada en España) Y es este ambiente lo que inspira a Picasso para cambiar su tema en la pintura, pasando al olvido los temas de corridas de toros y gitanas para ahora retratar las mujeres liberales de parís, las calles, los bares, París de noche.

Parte del éxito de Picasso se debe a que era alentado continuamente por su trabajo, además de que poseía un carácter impulsivo, llegando a pintar hasta 3 cuadros por noche. Si bien, se sintió motivado de probar suerte en Paris debido a las criticas de un Francés que vio sus obras en España, donde comentaba que en sus pinturas se respiraban las emociones con solo ver la imagen.

(Fig. Retrato a Manach, pintado para la exposicion de la galeria Vollard) Ayudado en sus inicios por Pere Manach, un elegante dandi que ejercía de intermediario entre artistas y galeristas de Montmartre  es como puede introducirse en el mercado del arte, conociendo a compradores.

En España usaba la técnica pastel pero en París la abandona  asi como los temas españoles para centrarse en temática parisina asi como la moda del lugar.

Cambia asi el colorido, a manchas pastel oscuro saturado. En este periodo tiene influencia del suizo  Steinlen “el abrazo” (Figura abajo- derecha) que si bien, es muy contrastante con “el abrazo” que Picasso pintó en España.

Para la exposición de la galería Vollard, no contando con dinero suficiente para comprar lienzos y prepararlo, pinta donde puede. Además crea su autorretrato donde se pinta no como el típico español si no como un joven moderno, seguro de si mismo, exitoso.

Para esta muestra pinta mujeres, la vida cotidiana de parís, la ciudad, los espectáculos, etc. Es importante observar que no pinta nada que tenga que ver con España. También observamos que cambia su firma que antes era P.R. Picasso a Picasso.

Encontramos una similitud en esta obra  de Picasso pintada en 1900 con las de :

 Le Moulin de la Galette parecido al “baile en el moulin de la Galette” de 1876 de Renoir.

Roba la imagen de Toulousse-Lautrec“el moulin rouge”.

sala de baile en Arlés de van Gogh de 1888.

Lo que cambia Picasso en su obra es hacer los rostros pintarrajeados.

Fig. “La nana”. Por las pinceladas que Picasso adopta en 1901 sabemos que es muy probable que había estado en contacto con obras de Van Gogh ya que si sabemos algo de Picasso es que el robaba técnica e imágenes de otros pintores para después el pintarlas a su manera.

Los temas favoritos para pintar en esta etapa eran: Clientas del café, dependientas, cantantes, prostitutas, bailarinas.

(Fig. derecha”Margot, la espera” Por los colores chillones de la cara podemos saber que era una prostituta

Los ambientes que frecuentaba para encontrar temas era en L´Enfer, La Fin  du monde, el Moulin Rouge de la Galette y el Moulin Rouge.

Ademas de Van Gogh entra en contacto con obras de Lacroix, Manet, Monet, Pisarro, Toulousse-Lautrec, Degas, Forain, Rops que lo influenciarán en su técnica y tema de pintura debiendose a que aun no contaba con un estilo y por eso era influenciado con facilidad, además su carácter impulsivo no le ayudaba mucho, haciendo que corriera el peligro en convertirse en un falsificador de obras.

En “MUJER EN AZUL” tiene influencia en Velazquez y Goya.

La novedad para Picasso es que estos pintores  usaban el simbolismo narrativo, cosa que no conocía antes.

En las propias palabras de Picasso nos dice que él no copiaba imágenes si no que las absorbía, o robaba si es necesario para reinventarlas a su propio estilo, decía que era preferible copiar un dibujo que inspirarse de el y hacer algo que se le parezca ya que acabaría pintando los defectos del modelo.

En 1901 también  participaba en la ilustración de la revista arte joven y posteriormente en Le Frou-frou logrando plasmar al estilo de los grandes caricaturistas los rasgos físicos mas reconocibles de las personas asi como su personal manera de vestir.

“Jardín de parís”en honor a los dibujos de Toulousse- Lautrec “JANE AVRIL, TROUPE DE MLLE EGLANTINE”

Sin duda alguna, el París de 1900 era un impacto para la perspectiva de mundo para pintores como PICASSO  así como para  VAN GOGH, ya que se encuentran con un ambiente lleno de gente muy distinta a la que habitaba en su pais natal. París, lugar de encuentros, lugar donde la  sofisticación del vestuario,  las personalidades que se mezclan con  el andar cotidiano y el espectáculo. Ambos pintores retrataron a la actríz japonesa, que impactaba por su extrañeza en el vestir y sus movimientos fuera de lo convencional en occidente.

 afiche  de la actriz japonesa SADAYAKKO 1901. Picasso

“La cortesana” de van Gogh 1887

En 1901 Casagemas se suicida por un amor no correspondido, esto marca profundamente a Picasso tanto en su vida como en su pintura, sintiéndose un tanto responsable por esto ya que no regreso con él a París durante sus vacaciones en España. En este periodo Picasso pinta retratos de Casagemas y temas tristes con color azul.